美术鉴赏

第一篇：美术鉴赏

美术鉴赏论文

202_-202_学年第一学期

美术鉴赏的社会价值

摘要：美术是人类文化的一个重要组成部分，是社会存在的产物，它与社会生活的方方面面有着千丝万缕的联系，作为人文学科凝聚着浓郁的人文精神，它担负着社会功能的角色，体现出认识功能、教育功能和审美功能。美术鉴赏活动作为一种美术实践，能帮助学生在欣赏、鉴别与评价美术作品的过程中，逐步提高审美能力，形成热爱本民族文化、尊重世界多元文化的情感和态度。古今中外优秀的美术作品，都具有深刻的思想内涵和强烈的人文精神，具备情节美、生活美、意境美，这些作品塑造出的典型形象从不同角度叙述着感人的情节，给人以震撼、给人以感动、给人以思考，使人们从中得到美的启迪和感情的升华。

关键词：美术鉴赏，绘画鉴赏，建筑艺术鉴赏，工艺鉴赏，人文精神的培养

美术可以反映现实生活的方方面面，艺术家通过对社会与自然的领悟来反映他们的情感、愿望、理想、幻想。因此，美术为我们提供了一个富有魅力的认识世界的途径。美术作品视觉传达效果是其他文字形式所不能达到的，美术作品的内容、情节、形象、色彩具有特殊的魅力和形式美的内涵，对于人们有着强烈的吸引力，极易唤起人们的兴趣，人们由观看的兴趣进入美术欣赏的状态。

美术鉴赏是运用感知、经验对美术作品进行感受、体验、联想、分析和判断，获得审美享受，并理解美术作品与美术现象的活动。人们通过美术的学习更好地汲取不同时代美术作品中所蕴涵丰富的人文精神，而不断加深对人文精神的领悟，有效地形成和发展人们的人文意识。人的审美观念决定着人的审美活动。

人们通过广泛接触中外优秀的美术作品，不断深入理解美术与自然、社会之间的关系，使学生在文化情境中认识美术，开阔美术视野，形成尊重世界多元文化的态度和审美判断能力。

美术鉴赏的过程中人们站在社会与历史的角度，用人文精神的思考和美术的造型知识解读它们，既让人们从观察、分析、思考中学习美术语言中的线条、形状、色彩、构图等形式美知识，也让他们从观察中了解社会与历史、认识特定时代的政治与经济、领悟作品中蕴涵的内在美感，得到了美的享受与情感的深华，产生对美术欣赏活动的兴趣，更好地接受人类宝贵的文化遗产，促进智力的发展，激发创作热情与创造能力，从而达到开阔的生活视野，扩大知识领域的目的。

美术鉴赏包含多方面的内容，例如，绘画鉴赏，雕塑艺术鉴赏，工艺、设计艺术鉴赏，建筑、园林艺术鉴赏，等等。这些内容丰富，形式多样的鉴赏项目极大地丰富了人们的视野。

说起艺术，使我想起来了我们中国的齐白石。从嘉德杨永德收藏齐白石作品拍卖专场的滑铁卢到202_年中贸圣佳白石山水册页1650万元的天价成交，齐白石的作品像是一架天平，衡量导引着中国近现代画作的市场走势，也标榜着收藏家与投资人的趣味和取向一直没有离开这位集 书法、篆刻、绘画、诗歌为一身的通才、大才。因为他是齐白石，也只有齐白石才会有着如此大的 感召力，而这种感召力之大正是基于白石老人艺术创作的伟大。这种伟大是一种至“简”至“朴”、至“拙”

至“厚”的，尤其是他的山水画，构图出奇出新，无常法而又合法，貌似平淡的笔调，大气磅礴、纯净明丽。在似与不似之间，把山水灵性的本质，或轻或重、或明或暗地表现出来，大开大合中又见细腻、朴素的善良与乐观的坚强。在白石老人的山水画中，每一笔似乎都含着家乡的泥土气息，每一根线条似乎都凝结着大自然的露珠，清新而华滋、深厚而通俗。白石老人的书法之好，在中国近现代画家中是少有的，好得让我再看白石以后“画家”们的字款简直不好恭维。白石老人专临“爨龙颜碑”，后学“郑文石碑”，五出五归后又学李北海、何绍基、金农和“天发神谶碑”。他的绘画成就如此之高是与他的书法水平高密不可分的。古往今来，大画家没有一个不是大书家，董其昌、八大山人、齐白石无不是这样的人物。他的字，气魄雄强而峻朗、舒峭，但不失拙意。他擅使长锋，故可以充分利用笔锋吸水墨多的特点，气贯而神完，一气呵成。由于有好的书法根底，在白石老人的作品中，几乎没有经不住推敲的线条，他的线条质量表现在：绵而挺。“棉里裹针”、细中寓柔、柔中见刚。润而满。不滞、不滑，骨力洞达却将霸悍之气藏于水墨之间不露痕迹。雄而强。他的字款在所有的转折处都是留得住笔、留得住墨的，特别是他书法线条的过渡，如锥画沙般的笔锋似乎能把纸切开。他的飞白也极有个人气质，特别是他的“撩笔”，峭拔中虽然略带习气。论及齐白石对近现代中国绘画的贡献，半个世纪以来，无论是美术史学界的专家，还是画家、收藏家，甚至普通的百姓，齐白石的艺术成就是公认的。齐白石就像一座高峰，就像一把标尺，他的绘画是中国画笔墨情趣的绝对体现，更是中国文人绘画近现代的高峰。他的绘画在走进市场后，更是当今中国艺术市场的晴雨表、风向标。

书画之妙，当以神会，难可以形器求也。世观画者，多能指摘其间形象、位置、彩色瑕疵而已，至于奥理冥造者，罕见其人”（《梦溪笔谈》卷十七）。900多年前，郭熙《林泉高致》诞生的时代，沈括发出了这样的感叹。历史进入二十一世纪，当代人与山水画的隔膜正在加深。在这样的背景之下，深刻认识山水画背后的中国哲学精神，重新审视当代人与山水画的审美距离及其成因，进而思考当代山水画家的文化使命，不仅仅是重要而迫切的时代命题，也会给当代山水画家的山水画创作带来新的启示。

一、以形媚道——山水画的文化渊源与哲学基础

儒家的道德感悟是与山水连在一起的。《礼记·中庸》云：“天地之道，博也，厚也，高也，明也，悠也，久也。”正是以山高水长来形容仁爱之道。同时，“仁者乐山，智者乐水。”所以，孔子心目中的理想境界是“暮春者，春服既成，冠者五六人，童子六七人，浴乎沂，风乎舞雩，咏而归”（《论语·先进》）。

“人法地，地法天，天法道，道法自然。”以老庄思想为核心的道家哲学更是崇尚自然山水。在这里，人与自然的关系是一种心灵相照、气息相通的所谓“天人合一”的关系。韩拙《山水纯全集》中认为：“默契造化，与道同机。”而庄子心目中的神人居“藐姑射之山”，“乘云气，御飞龙，而游乎四海之外。”则更是一种心游万仞的自如之境。老庄哲学，成为中国山水画最重要的哲学基础，历代山水画家几乎无一不受其影响。

二、曲高和寡——当代人与山水画的隔膜

中国的山水画是哲学的产物，是中国哲学派生出的心灵的艺术。在漫长的发展过程中，形成了一整套完整、规范、成熟的认知体系，并被整个民族所认同，成为中华民族的文化基因深植于国人血脉之中。然而从1840年到五四运动以来，当代人与山水画的隔膜正在加深已经成为越来越严重的事实。人文领域的“高级知识分子”读不懂中国画；掌握整个社会文化话语权的传媒考虑更多的是收视率和迎合大众口味，更是仅仅停留在“形、色”的表面，即黄宾虹先生所说的“外修”上；“有闲阶级”也把摆挂中国画当作附庸风雅的方式，更不用说普通大众了。山水画，在教育高度普及的今天，反而变得更加曲高和寡。

可以说，不懂书法，不懂中国古典文学，就很难真正理解中国绘画的笔墨韵味和精神境界。“味摩诘之诗，诗中有画，观摩诘之画，画中有诗”（苏轼）。在古代，只要是读书人，他们对书法，对古典文学就有一定程度的实践和浸染，这恰恰是体悟山水画的基础。而无论是书法还是古典文学，当代中国大部分山水画家在这两方面的修养都是缺失的，更不用说普通大众，这是当代人与山水画产生审美隔膜的一个重要的现实原因，这也再次提醒当代的山水画家，山水画创作绝对不能忽视对书法和古典文学的学习，对于山水画欣赏者而言，书法和文学也应该成为必修课。

“山川之美，古来共谈。”宋罗大经在《鹤林玉露》里更是指出：“大抵登山临水，足以触发道机，开阔心志，为益不少。”今天，与旅游热相应的依然是人们对山水的热衷，然而 “观山亦如读书，随其见趣之高下。”有多少人在登山临水的过程中还能够“触发道机”？“无听之以耳而听之以心，无听之以心而听之以气，听止于耳，心止于符。气也者，虚而待物者也。唯道集虚。虚者，心斋也。”（庄子在《人间世》）可以说，不能体悟庄子的思想，就很难进入山水画的境界。按照庄子的观点，不能以“听之以气”的虚静之心作审美观照，就不能欣赏“天籁”大美。实际上，如文章开头引用的沈括之言，“书画之妙，当以神会，难可以形器求也。”不能“听之以气”自然也就不能与自然山水完全合一，也就不能明白和感悟山水画的“奥理冥造”，于是只能更多的“指摘其间形象、位置、彩色瑕疵而已。”最终也就扩大了与山水画的隔膜。

所以，如何减小和消除当代人与山水画的隔膜，让山水画走进更多人的心灵和生活，成为一个十分紧迫的问题。它关乎中国哲学美学精神的真正传承，关乎中国人审美心理和国民素质的提升。而这样的审视，对当代的山水画家也同样有着特殊的意义，它也关乎当代山水画的创作与发展。

三、任重道远——当代山水画家应有的文化使命感

“正本清源”的“源”不仅仅是山水画艺术层面上的“源”，不仅仅是明清，是唐宋，甚至是春秋，它更是中国哲学和美学之源，是对“道”的体认。如龙瑞先生所言：“我们所谓的‘正本清源’，在很大的程度上，是对中国文化核心思想进行的还原。”而对画家而言，作品永远是最有说服力的语言。缺少这样的反思、体悟和承担意识，山水画的创作格调恐怕很难真正得以提升。

那么，当代的山水画家应该具备怎样的修养和艺术追求？时代呼唤和需要怎样的山水画艺术？画家如何进行自己的艺术探索并且承担自己的文化使命？这是很多具有反思意识的画家和学者所思考的问题。

首先，从某种意义上讲，一个中国艺术家的艺术历程，就是“以心求道”、“以艺合道”的过程。苏轼说：“吾所为文，必与道俱。”正是有了这种信念和坚守，中国文人和艺术家们忘我地在艺术和人生的道路上“上下求索”，“虽九死而犹未悔”。中国的山水画家才可以“代山川立言”，“与山川神遇而迹化”（石涛语）。所以，当代的山水画家应该具有清醒的文化意识和自觉反思能力。传统是当代山水画发展的“源头活水”，只有立足于传统，真正“融入当代”才会成为可能。中国画尤其是山水画是与西方绘画迥然不同的绘画体系，二者之间的最大差异是中国画的哲学性和精神性，这已经得到大家的普遍认可。真正悟道的境界，是“从心所欲不逾矩”的中庸自如之境，是“物我两忘”的“逍遥游”，是明心见性后的自然与空灵„„我想，倘若能够达到和进入这样的境界，便永远不会缺少艺术创新的灵感，这原本就是最伟大的艺术家所具有的心灵和创作状态。

其次，与对中国传统哲学的体认相对应，中国传统的笔墨精神不能丢掉，书法功力不可或缺。这个问题已经有过很多讨论，甚至是争论。可以肯定的是，笔墨不仅仅是技术，是中国符号，更与中国艺术的本质精神相通融。笔墨的世界其实是一个无限广阔和自由的空间，我们可以从中感受到“气”，体味到“韵”，从而使得整个画面混沦灵动，透露出强烈的音乐性，传达出象外之意，韵外之味。从点到线，从细微之处到浑然整体，山水画要呈现俊逸超拔的气韵生动，必须要籍笔墨之功。

最后，当代的山水画家要有一种“养吾浩然之气”的精神自觉。诚如陈传席先生所言：“我们的时代更需要的是汉唐的豪气、猛气、大气、厚气、健气，需要阳刚的正气。”在黄宾虹看来，深刻地认识和远大的抱负（“志于道”），正确的方法和执着的追求（“居于德”），端正的动机和良好的心态（“依于仁”）是大家之“气”的前提，有了这种“大家之气”，山水画创作上方能不落俗套。

总之，我认为当代山水画家不仅要有画人的功力，文人的情怀，还要有士夫的使命。如此，方能由画体道，由画证道，由画弘道。

第二篇：美术鉴赏

美术鉴赏课・心得体会

记得高中的朋友，她学绘画（素描）时，就觉得要是哪天能为自己的母亲也描一幅画那应该很不错吧！不过，没有机会学习，所以好像是不可能了，至少现在没有这个能力。上美术鉴赏之前，觉得应该老师上课是教我们作为一个参观者怎么样去欣赏一件美术艺术品或者是美术之类的作品吧！但好像事实不是那么的简单，原来上课时，更多地讲关于世界著名时期或者地区的美术发展史，当然，期间免不了会涉及怎么看一件美术品的价值。（就像一位老师说，每个人都喜欢音乐，但不是每个人都喜欢上音乐课）

第一节课，老师给我的印象很深刻，你说了很多，记住的当然不是全部。当时下课之后我就对朋友说，这个老师说话很有深度、有趣（要是什么都有了，我们就不会觉得快乐了。没有问题的学生是不堪造就的。尝试着说第一次，也许会说错，但是第二次就会了。没有不争论的观点。这个牛画得怎么样啊？„„有人还看不上说他画的不好,那你上来试试看你画的怎么样,反正我是没有他画的好。无信仰就没有精神生活，是很可怕的等等）。当然作为一个学生，肯定喜欢有深度的老师。而且，上课讲的通俗易懂，直到我们听懂为止。美术鉴赏的含义。美术（造型艺术），它的涵盖很广，只要看得见的用眼睛耳朵等能够欣赏的艺术都叫美术，如：绘画，建筑，雕刻，摄影，书法，电影，时装，舞蹈等等，其中前三个是主要的。鉴赏，鉴定鉴别欣赏。而雕刻又包括圆雕和浮雕（因材料不同而分类的）。

史前美术（30000-30000BC），主要是石器（对称性突出）和洞窟壁画，其伟大之处在与创造。（中国唐代的人物绘画大多是身子庞大脚短，这是一个时期的绘画特征）。开始的绘画，是单纯的动物：牛，后来发展了有牛还有人造的物（箭），再后来有人，牛，和其他动物，体现了人的介入，通过视像来讲故事。而关于女人的意象的雕塑，大肚子，体现了人对发展的一种迫切渴望。

古埃及的艺术，主要在两河流域，爱琴海等地。古埃及的建筑金字塔（陵墓），反映了埃及人对先人的一种崇拜，和对死亡的一种态度。专制者的陵墓极其重要。（每个人都怕死。恐惧是因为我们不知道死亡好不好）。通过古人的雕塑可以看出他们对人的特征的刻画是惟妙惟肖。他们的黄金面具，体现了当时人们看来微笑的重要性。每个雕塑都有一个微笑的表情那么生动。

希腊古典时期的雕刻，运动状态下的平衡静止还有一种庄严肃穆。命运之神，体现了也许没有胳膊没有脸，但是它的美并不因此而减少，这就是希腊人对人的美的一种体现。拉克希特例斯，体现了和谐不是把所有的好都放在一起，而是一种组合。同时艺术家，对男人的比例分配各有不同的美：1/8和1/7。知识的普及，世界上最出名的艺术博物馆：罗浮宫博物馆，而断臂维纳斯就坐落于此，是其主要的收藏，充满了希腊式的古典精彩的雕塑，其完美在于残缺的地方与整体的修复刚刚好给人留下现象的空间（古代艺术的遗传都有一种残缺美），之后出现了修复学。高卢人，这一雕塑的雄伟不屈与勇敢体现了战败的高卢人的民族特性很崇高，而塑造这一雕像的人，就利用了战败了的这种伟大来体现自己的更加强大，这就是艺术的体现。维纳斯的美是庄严典雅神性美，而一般美女的雕塑是现实中的美的体现，是温柔可爱亲切，都是美，只是美得不同而已。

古罗马建筑，早在两千多年前就建成了城市输水系统。竞技场是古时斗兽和决斗的地方。凯旋门，一种纪念意义，当时只有胜利的军队才有资格从凯旋门经过接受人们的欢呼。纪念柱，带状浮雕往上走。罗马的雕塑是求事实真实世界。命运三女神，体现了人们对女人的三种品质（智慧、美丽、善良）的向往。

古典绘画的欣赏，（古典：过去很长一段时间的一个地方的经典的好的不能被超越的作品），这里主要指欧洲15C-18C的绘画。（文艺复兴时期的绘画体现了人们对其宗教信仰的刻画是崇高的，因为他们认为，神，不能和人长得像，那样就亵渎了神，女神的眼睛好似一个无底的被子承载者世人的血泪和辛酸。）而文艺复兴之后的绘画则改变了人与神的关系，所以绘画发生了转变。乔托的画，圣母，其特征是优美，爱，更接近与现实的人。这种写实绘画，体现了美术涉及多方面：解剖学（绘画的比例），光影来塑造形体，透视学（近大远小），这样的绘画更逼真清晰（利用规律）。维纳斯的诞生，就体现了古典美的风范。到达芬奇时期就把这一古典美发挥到极致了。威尼斯派则体现了艺术追求的是一种享受，色彩光焰亮丽轻盈挑逗。

山水画，是一种传统，是隋唐至晚清时期时的一种绘画样式以自然风光为主题的。在隋唐之前的山水画主要是：人大与山，水不容半的原则，大战至隋唐时出现了新的尺度：山大人小，这就接近了现在的山水画。中国与西方的绘画差别，主要在于来源上，中国的文化“人与自然的和谐”体现了中国的绘画灵感来源于山水自然，就算是人们赞赏一个人时都以山水为意象的，而西方的绘画来源于女子。

短短七周的时间，要说真正学到知识，那可能有点困难，不过要说没学到那也不是，只是真正关于美术方面的知识也许过了一段时间就给忘了，但是有些东西是忘不了的，精神。老师传达的：诚实精神，和不强求别人做他不喜欢的事，这个我倒是感触很深。（作为师范生，以后的教学生涯，要有自己的教学原则）

第三篇：美术鉴赏

他既有国破家亡之痛，又两次跪迎康熙皇帝，并与清王朝上层人物多有往来，内心充满矛盾。

石涛号称出生于帝王胄裔，明亡之时他不过是三岁小孩，他的出家更多的只是一种政治姿态，这与渐江的“受性偏孤”是不同的，石涛的性格中充满了“动”的因素，因而他身处佛门却心向红尘。康熙南巡时，石涛曾两次接驾，并山呼万岁，并且主动进京交结达官显贵，企图出人头地，但权贵们仅把他当作一名会画画的和尚而已，并未与之计较，故而攻败垂成。因此他是在清高自许与不甘岑寂之间矛盾地渡过了一生，好在他聪明绝顶，巧妙地把这种矛盾发泄到他的画作之中，所以他的作品纵横排闼、闪转腾挪，充满了动感与张力，这也正是他异于常人的高明之处。）石涛工诗文，善书画。其画擅山水，兼工兰竹。

石涛对后世影响极大，作品历来为藏家所钟爱，历代石涛赝品也经久不绝，但大多技艺低劣，属“皮匠刀”的笔法，很容易辨真伪。但现代画家张大千曾精研石涛，仿其笔法，几能乱真，他有不少仿画流传于世，极难分辨。张大千笔力不如石涛厚重，线条也较光滑，这是不同之处。

石涛《细雨虬松图》欣赏

石涛（1641一1718），清代书画家，本姓朱，名若极，明靖江王赞仪的第十世孙，出家为僧后释名原济，一作元济，又号石涛，清湘老人，苦瓜和尚，瞎尊者等。善花果兰竹，兼工人物，尤擅山水，画名极盛。其画力主“搜尽奇峰打草稿”，构图新奇，笔墨雄劲纵恣，淋漓酣畅，深得元人意趣，气概风神为同时代诸家所不及。传世作品有藏于上海博物馆的《梅竹双清图》，藏于故宫博物院的《焦菊图》等。石涛在美术史上还是伟大的画学理论家，他的一部《石涛话语录》光照千秋，真可谓字字珠玑。他又是理论与实践相结合的典范，他不在故纸堆中讨生活，以拾古人牙慧为能，而是借古开今，开拓出属于自己的艺术世界，这种精神一直被后人所追崇。

石涛的山水不局限于师承某家某派，而广泛师法历代画家之长，将传统的笔墨技法加以变化，又注重师法造化，从大自然吸取创作源泉，并完善表现技法。作品笔法流畅凝重，松柔秀拙，尤长于点苔，密密麻麻，劈头盖面，丰富多彩；用墨浓淡干湿，或笔简墨淡，或浓重滋润，酣畅淋漓，极尽变化；构图新奇，或全景式场面宏阔，或局部特写，景物突出，变幻无穷。画风新颖奇异、苍劲恣肆、纵横排奡、生意盎然。石涛善用墨法，枯湿浓淡兼施并用，尤其喜欢用湿笔，通过水墨的渗化和笔墨的融和，表现出山川的氤氲气象和深厚之态。有时用墨很浓重，墨气淋漓，空间感强。在技巧上他运笔灵活。或细笔勾勒，很少皴擦；或粗线勾斫，皴点并用。有时运笔酣畅流利，有时又多方拙之笔，方圆结合，秀拙相生。

石涛作画构图新奇，无论是黄山云烟，江南水墨，还是悬崖峭壁，枯树寒鸦，或平远、深远、高远之景，都力求布局新奇，意境翻新。他尤其善用“截取法”以特写之景传达深邃之境。石涛还讲求气势。他笔情恣肆，淋漓洒脱，不拘小处瑕疵，作品具有一种豪放郁勃的气势，以奔放之势见胜。对清代以至现当代的中国绘画发展产生了极为深远的影响。有《搜尽奇峰打草稿图》、《淮扬洁秋图》、《惠泉夜泛图》、《山水清音图》、《细雨虬松图》、《梅竹图》、《墨荷图》、《竹菊石图》等传世。著《苦瓜和尚画语录》，阐述了他对山水画的认识，提出一画说，主张“借古以开今”，“我用我法”，和“搜尽奇峰打草稿”等，在中国画史上具有十分重要的意义。

在石涛的传世作品当中，这幅《细雨虬松图》是相当出色的。首先在技法上有别于其它。这件作品创作于石涛45岁前后，这个时期石涛的个人风格已经逐步形成，作品追求苍劲繁密、厚重奇崛，而这幅《细雨虬松图》却是清朗秀逸，细腻谨严。在用笔上取法李公麟、倪瓒，以及梅清，又具有强烈的个人面目，在秀雅之中不失凝重。山石树木用墨笔勾勒，线条果断干净，具有强烈的书法韵味。整幅作品只是在极少处略加皴点，用淡淡的赭石与花青色对画面加以润色，显得既典雅而又别致。其次在景物的布局安排上也别具匠心。一架木桥沟通了两座山，一位头带风帽的老人正在桥上执杖缓行，从那佝偻的脊背看去，可以想像此老该是垂暮之年了。后山山腰处，有一人临窗而坐，像是在等候着什么人，此情此景让观者赫然明晰，这曳杖老者大概是去探访在山中隐居的朋友吧。在这秋色宜人的时节，到幽静的青山碧水间去拜会故友，这该是一件多么令人惬意的事情。画中的树木很多，或挺拔直立，或盘曲错节，形态各异，生动自然。石涛是表现大自然的高手，他以自然为师，从不在古人的成法中亦步亦趋，也不为标新立异而故弄玄虚，他继承前人的长处，从真山真水中汲取营养，捕获灵感，借古开今，提出“我自为我，自有我在”的创作口号。这种以自我为中心，以表现自己的真实情感为创作目的，既切合实际又具有远见卓识的创作态度是极为难得的。在这幅画的右上端有作者的一段文字记述：“泼墨数十年，未尝轻为人赠。山水杳深，咫尺阴荫，觉一往兴未易穷，写以赠君。予尝有句云：‘细雨霏霏远烟湿，墨痕落纸虬松秃’，能入鉴赏否？！时丁卯夏日，子老道翁出宋罗纹纸，命予作画,风雨中并识于华藏下院。清湘石涛济山僧。”从这段文字中我们可知，丁卯年，石涛正在扬州。“华藏下院”有可能就是当时扬州著名的寺院“天宁寺”。据《扬州画苑录》记载，该寺址因旧传有梵僧驮跋陀罗尊者在这里翻译《华严经》，所以寺中有“华严堂”和“藏经堂”以及东西下院。文中提到的“子老道翁”应该是石涛的好友卓子任（尔堪），他和石涛同是著名诗社“春江社”的社友，《桃花扇》的作者孔尚任还通过他向石涛索过画。石涛应卓尔堪的请求创作这幅画，是因为“子老道翁”出示了一张难得的宋罗纹纸，佳纸难得，所以激发了石涛的创作情趣。此作无论是在整体布局还是细微之处都是精益求精，一丝不苟。剩水残山

款识：大涤子阿长。钤印：收尽奇峰打草稿、靖江后人

石涛禅学修养既深，早年居黄山，与梅清友善，画法亦受梅清影响。及至由宣称迁居金陵八年之久，又南北壮游，兼之在京师眼界大开，最后回扬州时已是画艺臻妙，连梅清都反过来学他，以致声名远播。此画即是作于此后不久，所盖“收尽奇峰打草稿”一章，亦表示不同于四王的摹习之法，代表著石涛的独立之精神。

《剩水残山》无论笔墨技法，还是画中意境，都是石涛精心之作。且书法亦有较高造诣，与画面相得益彰。石涛早年学颜真卿，后又改攻汉隶，并于钟繇、二王功夫最深，兼工诸体。此画题画诗隶书用笔从容大度，灵活多变，多有韵致。石涛为图写景，题诗其上，诗画双绝，自然天成。

这幅画的布局精巧，以色补墨，淡赭渲染，把深秋的凉意和萧瑟都展露无遗。画面中虬松交枝错叶，穿插有致，自右下方拔地而起，延伸到画面的中间部分，三颗松树前实后虚，笔墨层次分明。临水有一座亭子，亭中一人独坐。水景用留白来表现，不著一笔，却感觉静水深流，流淌不息。山中藏有房屋数间，各种树木遍布山腰，虚实相间，浓淡交错，画面自然生动，不为法拘。其中一峰耸立，打破了整体的平静，把观者的视觉带到了峰顶，一览纵山小的气魄展现无余。远处淡墨渲染的远山，氤氲缥缈，恍如仙境。整幅画气魄雄伟，恣肆奔放，刚劲雄浑，沉著痛快，达到了力辟混沌的自由境界。水墨把握极佳，缜密空灵，苍润兼济，耐人回味。石涛善用墨法，枯湿浓淡兼施并用，尤喜用湿笔。运笔灵活，或细笔或粗笔，多方拙之笔，为其晚年精妙之作

17世纪欧洲代表画家－－委拉斯开兹

委拉斯开兹，全名迭戈·罗德里格斯·德席尔瓦-委拉斯开兹（1599年6月6日－1660年8月6日）是文艺复兴后期西班牙最伟大的画家，对后来的画家影响很大，Goya认为他是自己的“伟大教师之一”。对印象派的影响也很大。生于塞维利亚城，当时是西班牙对外贸易的重要港口。由于对外贸易发达，经济繁荣，文化艺术也随之迅速发展。

西班牙17世纪的大画家，是西方艺术的巨人。他所接受的自然主义风格为他在描绘生活人物和静物时所表现的敏锐观察力提供一种语言。对16世纪威尼斯绘画的研究使他从一个忠于真实再现与形象特征的高手发展为当时独一无二地创造出视觉印象杰作的大师。透过丰富多变的用笔与微妙和谐的色彩，他达到形式、质感、空间、光线和气氛的完美统一，使他成为19世纪法国印象主义的主要先驱。

个人文献的数量非常有限，有关其绘画的官方文献也相当罕见。因为他很少在他的作品上签名和标上日期，对其作品的考证和日期编排总是只能以风格的证据为基础。他的肖像画的多幅复制品显然是由助手在他的画室中完成的，他自己的产量并不很高，留存下来有他的亲笔签名的作品数量不超过150幅。一般认为他作画的速度很慢，晚期身为马德里宫廷官员，事务工作占去其大量的时间。很多绘画，提香对他的风格发展的影响超过其他任何艺术家。腓力四世的全身肖像(1626?,现藏普拉多美术馆)与他的兄弟唐．卡洛斯王子的全身肖像(1626?,现藏普拉多美术馆)按提香所奠定的西班牙王室肖像画的传统所绘，在一定程度上也有他自己风格的影响。委拉斯开兹在塞维尔绘画中的细节描绘和暗色调主义在这些肖像画中被减弱了，只突出面部和手，明亮的背景衬托出深色的人物。在他的晚期宫廷肖像画中，委拉斯开兹在某些方面吸收法兰德斯巴洛克派大师鲁本斯(1577～1640)更精细的装饰和更丰富的色彩，委拉斯开兹是于1628年在鲁本斯第二次访问西班牙宫廷的时候与他相识的。委拉斯开兹画的酒神，题为《醉汉》或《酒神的胜利》，似乎是受提香和鲁本斯的启发，但是他处理题材的写实主义手法则是典型的西班牙风格，这种风格贯穿着他的一生。

【宫娥】

这幅画在１６５６年刚完成时题名为《国王之家》。画的是画家在画室作画时的室内一瞥：中央的小主人公——国王的女儿玛格丽塔刚进入这间画室，前来观看画家为其父王和母后画肖像。周围有宫廷侍女护拥着，背景深处有一门，光线似乎从这一扇门外透入室内。在这间显得杂乱拥挤的画室里，画家有意把入室的宫女摆成随意的位置，好象这些人物是偶然走进画面的。他在前景左侧画了一个侏儒宫女和一条卧地而坐的大狗，最右侧有一个小侏儒正伸腿去踢那条狗。左侧在小公主身旁的宫女正蹲下来给公主送上一杯水。在小公主左手一边的一个小宫女，手提撑裙欠身地向她请安。后面还有两个次要人物，即宫内的侍从，似乎在说着什么。

画家以薄而淡的笔调表现了小公主身上那个玫瑰色撑裙，质感分明，颜色鲜艳。金黄色的头发衬托出她的嫩脸上几根淡淡的青筋。她似乎先看了看画面，然后再侧过脸来瞧瞧画外远处被画的父母亲。我们从背景墙上挂着的那面镜子里看到了国王与王后的上半身影子。画家本人也入了画，他站在大画布前，整个大半身被画得很清楚。几双眼睛的视线都投向画外，使观者产生了联想，从而也扩大了绘画的空间。

再从色彩处理与光暗表现上看，画上的背景阴暗部分是灰褐色。后面进入强光的敞门处，用的是象牙白。这使画面中景的小公主的头发与裙服受到光照，有利于画家把大撑裙的丝织品的质感与细巧的做工明显地展现出来。她身旁两个宫娥的衣着颜色较暗淡，左边是青灰色，右边变为鼠灰色，而靠近前景的那条狗是富有暖意的赭黄色，其他人物，由于屋内光线不足，都是暗黄或暗绿色。凡承受光线的地方，色调稍亮些，银灰色随环境而出现。因此，全画仍以小公主身上的颜色为中心。画家身上的色彩最深，其余和谐统一，相得益彰。

在这画上，委拉斯凯兹充分运用了粉红、银灰、娇嫩的柠檬黄和宝石般的翠绿色，使之交织合成为一首宫内色彩交响曲。这是一幅多人物的情节性的肖像画。委拉斯凯兹以现实生活为典型来概括处理这个场面，充分显示了这位现实主义大画家的写实功力。

第四篇：美术鉴赏

1、原始美术包括洞窟壁画,岩画,雕刻,建筑等.2、法国南部拉斯科洞窟—“史前的卢浮宫”.3、西班牙北部阿尔塔米拉洞窟—“史前的西斯廷教堂”.4、陶器的出现，是新石器时代的主要特征之一。

5、埃及的艺术被称为“来世的艺术”.6、中国四大石窟：云冈石窟、龙门石窟、敦煌莫高窟、麦积山石窟

7、古希腊美术按时间顺序依次是：荷马时期、古风时期、古典时期、希腊化时期

8、卢浮宫三宝:《萨莫色雷斯的胜利女神》《米洛斯的阿芙罗底德》、《蒙娜丽莎》

9、文艺复兴三杰的艺术特色与三大杰作:

达·芬奇：深沉、含蓄、富有理智、充满智慧

米开朗基罗：博大、雄伟、富有激情、充满力量

拉斐尔：优雅、秀逸、和谐、高度的完美

《最后的晚餐》、《末日审判》、《雅典学院》

10、扬·凡·埃克注重研究光与色,并对油画技法做了重要改进.11、丢勒是德国文艺复兴时期最伟大的艺术家，被称为“自画像之父”.12、鲁本斯——将宏伟华丽的巴洛克艺术风格与尼德兰民族艺术传统融为一体,形成了具有浪漫主义倾向的独特风格。

13、巴洛克艺术的特征：

华丽性；浪漫性；激情性；运动性（灵魂）；空间性；综合性；浓厚的宗教色彩；

有一定背离现实生活的倾向（主要缺陷）

代表人物：贝尼尼，鲁本斯 14、17世纪意大利三大艺术流派：代表人物及代表作？？？

学院派艺术—倾向于上层社会,影响了后来的古典主义.巴洛克艺术—倾向于上层社会,为此后的罗可可艺术和浪漫主义美术的启蒙者.卡拉瓦乔主义—主张把目光对准下层人民的生活;影响了19世纪的批判现实主义.15、伦勃朗是荷兰伟大的现实主义大师，被誉为“带镜子的画家”.16、法国新古典主义又称革命古典主义.形式虽然是古典的,但内容是革命的。代表人物:大卫,安格尔

17、安格尔的格言:“在一切形中,最美的是圆形.”

18、罗可可

源于法文“罗卡伊尔”,原意是“贝壳装饰”或“岩状装饰”.它是一种高度技巧性的装饰艺术,表现为纤巧,华丽,繁琐和精美,多用S形和旋涡形的曲线．被称为罗可可的艳情艺术主宰了18世纪前半期,它以上流社会男女的享乐生活为对象,描绘全裸或半裸的妇女和精美华丽的装饰.它一方面不免浮华做作,缺乏对于神圣力量的感受,另一方面却以法国式的轻快优雅使绘画完全摆脱了宗教题材.代表画家:华托《舟发西苔岛》,布歇《沐浴的狄安娜》,弗拉贡纳《秋千》

19、浪漫主义的特点：反对学院派的原则,重感情轻理性;重视色彩而轻视素描;不满现实,追求幻想.代表人物:席里柯,德拉克洛瓦.20、德拉克洛瓦被誉为“浪漫主义的狮子”。

21、印象主义代表人物：马奈、莫奈、雷诺阿、德加． 22、19世纪现实主义美术的基本特点:1848——1870年是法国现实主义大放光彩的时代，人们渴望在艺术中看到自己生活的时代。

（1）强调艺术要有时代的特色.（2）强调艺术的真实性和客观性,反对主观臆造和粉饰现实.（3）强调要有浓郁的生活气息.代表人物:库尔贝,米勒,杜米埃.23、马奈是印象派的精神领袖,他最早打破传统的棕褐色调,使画面明亮,有外光新鲜感的画家.24、莫奈善于画水,有“水上拉斐尔”之称.被誉为“印象派之父”。

25、新印象主义的代表人物：修拉《大碗岛星期天的下午》

26、后印象主义的代表人物:高更（厌世逃避，象征性的绘画语言和原始感“综合主义”）,凡高（激愤的，富有激情的线条和色彩“扑向太阳的画家”）,塞尚（注重物体的结构美，表现事物的内在生命“现代绘画之父”）.27、新印象主义的艺术主张：

一是废除在调色板上调色．主张把原色一点点地用科学的规律排列在画面上，让人眼去混合色彩，从而产生对色彩的感觉，所以它也叫科学的印象派；

二是主张画面具有永恒和稳定的特点，不是一瞬间的．

局限性：常常像一张张剪纸，人物缺乏立体感，有几何图形的特色。代表人物修拉。

28、高更独创了综合主义，代表作品《我们从哪里来?我们是什么?我们往哪里去?》

29、凡高被誉为“扑向太阳的画家”.30、塞尚被誉为“现代绘画之父”也称“现代艺术之父”.31、野兽主义是一个很松散的特别注重发挥纯色的作用，强调色彩的表现力。代表人物：马蒂斯，卢奥等人。

32、立体主义否定了从一个视点观察事物和表现事物的传统方法，把三度空间的画面结成平面的，两度空间的画面。代表人物：毕加索和勃拉克。

33、《亚威农少女》被誉为是第一幅立体主义作品，它标志着立体主义的诞生，同时也被认为是传统美术和现代美术的分水岭。

34、《出乐园》

1426-1427年

马萨乔 亚当和夏娃收到毒蛇的诱导，偷吃了伊甸园的禁果，被上帝逐出伊甸园。

《出乐园》描绘亚当夏娃被逐出伊甸园的情景，人物已经开始人自身注重结构比例和形体的表现。画中的夏娃和亚当身强力壮，有血、有肉、有情感，他们正走在通往人间炼狱的路上，对为偷吃禁果而被逐出乐园深感悔恨，而天使正从远方追来……

本画对光影的运用是一个创造，人物解剖结构准确，富有体积感和空间感

35、《圣母之死》

1605-1606年

油画，纵369厘米，横245厘米

卡拉瓦乔 这件作品亦称《圣母玛利亚升天》，是一幅宗教题材的作品。但在这幅作品中作者所描绘的圣母与以往的画家们的圣母却不一样，本来圣母的题材是非常神圣的，但这件作品却不是。作品描绘的是一个破烂的农舍小台子上，躺着一位久病无钱医治而死去的中年妇女，她被穷困糟蹋得头发蓬乱，面容憔悴，死时连一双鞋袜都没有，赤着一双脚，躺在一个小木床上，圣母的躯体有一半还伸在床外吊挂着，逼真地再现了一个意大利穷苦家庭的悲剧。前景那位垂首哭泣的少女像失去母亲般地伤心，她是圣徒抹大拉。使徒们被描绘成从各方来奔丧的亲朋友邻，一个个掩面落泪，悲痛不已。

画面的明暗对比表现得很强烈，这种处理，使黑暗的背景为这幅画增添了死亡的悲哀和气氛的凝重。洒落在圣母上半身的光线，在暗色背景的衬托下显得更为明亮，使圣母的形象更突出。四周哀悼的人群在明暗交替中层次分明地逐一展现在你的眼前，从而显示出空间的深远。

36、《梅杜萨之筏》

1818-1819年 491*716厘米，席里柯1816年7月，法国政府派遣巡洋舰“梅杜萨号”，载着400多名官兵以及少数贵族前往圣·路易斯港。率领舰队的是一名明显缺乏实际能力的舰长，由于他指挥错误，在途经西非海岸的布朗海岬南面时不慎搁浅，造成了惨重的灾祸。

大海上漂浮着一只岌岌可危的木筏，海风鼓起床单做的桅帆，巨浪掀起的木筏在不停地颠簸。筏上的难民有的已奄奄一息，有的还在眺望远方。被簇举在高处的人挥舞着手中的红、白色布巾，不断地向远方呼救。

基本构图形式是两个倾斜的三角形，表现了落难的人们处于严重危机和存有一线希望的对立统一。而为了表现落难旅客们各种不同的心境，以及一些复杂的情绪，席里柯综合运用了线与形的视觉效果。并且通过人们的动态形成的上升的金字塔形的构图，有层次有节奏地把人们由死亡、绝望、痛苦挣扎升华到希望得救的激情上，他们之间的形式起伏变化，形成了静与动.低潮与高潮的各种对比。加上森严的色调，强烈的光影对比，更增强了这一悲剧事件的气氛和震撼人心的力量。

37、《自由领导人民》

1830年 德拉科多瓦 325*260厘米

1824年查理十世即位。由于他实施暴政，企图恢复封建王权，以致主张解除众议院、取消资产阶级选举权。限制出版自由而遭到了人们的强烈反对。1830年7月27日，巴黎终于爆发了声势浩大的“七月革命”。起义大军占领了王宫。推翻了波旁王朝。

硝烟弥漫中的巴黎圣母院；拿起刀枪勇敢拼杀的工人、农民、学生、知识分子和退伍军人，好象他们为了自己心目中的“女神”——共和国——不惜牺牲自己的生命；而这位美丽、健壮，胸部丰满的自由女神正赤着脚，一手拿着枪，一手高举着象征“自由、平等、博爱”的三色旗，踏着保皇党的尸体带着现实中的人们为自由而战。

争取自由的主题，强烈奔放的激情，丰富的光色效应，丰动态的构图，奔放有力的笔触，大胆的想象，寓意的手法，这一切就是这一作品的主要成功之处。

38、《宫娥》

委拉斯贵支1656年

318×276厘米

这幅高度达3米的作品，画面的每个物体与实物同等大小，展示了宫中的日常生活，在宁静的宫廷中，委拉斯凯兹正在为国王夫妇画像，这一对夫妇的形象在对面的一块镜子中反映出来，就在这个时候，小公主玛格利特突然到来，引起了人们的一阵忙乱。

这幅画有两个特点，一是它具有风俗性的特色，从生活的情趣出发来描写宫廷中的日常生活；同时，也揭示了这样一个事实，生活在宫廷里的人们并不快乐。他们受着枯燥礼仪的拘束，连高贵的小公主也是这样，她失去了儿童应有的天真，也必须保持仪态，摆出一种矜持的姿势。另一个特点，画家打破宫廷肖像固有的原则，并没有像传统绘画那样把国王夫妇摆在画面的中心，而是把他们放在一个次要的位置，这样的构图是很大胆的，多少有一点随意性，他的这种做法是宫廷肖像画的一种改革，画面上的人物不再是呆板地排列在一起，而是尽量处在自然的状态之中，从门及侧面窗子射进来的自然光运用得很出色，光线均匀地散布在室内的每一个角落。

39、《格尔尼卡》

1937年 作者毕加索，作于1937年，壁画，尺幅349.3×776.6厘米 此画是受西班牙共和国政府的委托，为1937年在巴黎举行的国际博览会西班牙馆而创作，是表现战争题材且具有纪念意义的作品。画中表现的是1937年纳粹德国空军疯狂轰炸西班牙小城格尔尼卡的暴行。作为一个具有强烈正义感的艺术家，毕加索对于这一野蛮行径表现出无比的愤慨。他仅用了几个星期便完成这幅巨作，作为对法西斯兽行的谴责和抗议。

整幅画用黑白灰三色绘成，错综复杂的黑白灰色块造成画面阴郁、恐怖。不规则的线条形成的角和弧的交错，给人一种支离破碎和**的感觉，画面沉重又压抑，充满了悲剧色彩。它控诉了法西斯的罪恶，对战争带给人们的灾难表示了悲哀和同情。

1.现实主义名称来源于《画室》。

2.马奈是印象派的精神领袖,他最早打破传统的棕褐色调,使画面明亮,有外光新鲜感的画家.代表作《草地上的午餐》。

3.莫奈善于画水,有“水上拉斐尔”之称.被誉为“印象派之父”。代表作《印象日出》。4.雷诺阿代表作《包厢》。

5.野兽派的主将是马蒂斯，代表作《红色中的和谐》。6.立体派代表人物毕加索。

7.塞尚被誉为“现代绘画之父”也称“现代艺术之父”.。塞尚注重物质的具体性、稳定性和内在结构的表现，对立体主义、构成主义等有较大促进。8.《麦田上的乌鸦》是梵高去世前的最后一幅作品。《威伦道夫的维纳斯》3分

时代：旧石器时代晚期的作品。2分

背景介绍：这是一尊很小的雕像，高仅11厘米，距今2万年左右，是1909年在修筑铁路过程中发现的。2分

雕像的头部被卷发所覆盖，面目五官不清。细弱的双臂下垂被双乳排挤在两侧，硕大的乳房从胸前垂挂对称式的压在腹部，粗壮的大腿向下逐渐变细连接小腿，足部省略。这种造型很可能是作为神灵偶像，插在松软土地上以供崇拜。5分 原始人创造了这样一个神圣的生育神的形象，就等于控制了人工生育能力，这种会生育的妇女形象，在原始人心目中是理想的爱与美的女神。所以，有些美术史家将这一雕像称作“威伦道夫的维纳斯”。3分

以下图片分别是《出乐园》、《圣母之死》、《威伦道夫的维纳斯》、《梅杜萨之筏》、《自由领导人民》、《宫娥》、《格尔尼卡》、

第五篇：美术鉴赏

学习美术鉴赏心得体会

姓名：李文军

学号：200910502035 内容摘要：这学期学习了美术鉴赏这门课程，我感觉提升了我们当代大学生的艺术修养和审美，提高了大学生的素质，最根本的问题是提升了大学生的精神境界。美术鉴赏的最终意义，就在于使大学生得情感得到陶冶，思想得到净化，品格得到完善，从而使身心得到和谐发展，精神境界得到升华，自身得到美化。

关键词：素质提升 开阔眼界 审美 精神境界

短暂的美术鉴赏课程就这么告一段落了，我仍有种意犹未尽的感觉。本学期，我选修了“美术鉴赏”这门艺术学科。原因其实很简单，我从小就非常喜欢美术方面的东西，对这些看似神秘的艺术形态十分好奇，很想从这课程当中得到一些艺术的知识与熏陶。通过对美术作品的鉴赏不仅可以学到美术知识，更重要的是可以培养创造美的能力。对我们的性格、感情、人生观和价值观等方面都有非常重要的意义，也可以培养我们的积极性和主动性，使艺术素养以及人文修养得到进一步的提升。

通过这几个星期的短暂学习，我收获良多。美术鉴赏使我开阔了眼界，也使我领略到了美术领域的独特魅力。人类生活的世界是极其广阔的，生活内容无比丰富，但对每个儿人来讲，不管他如何见多识广，也不可能体验到社会生活的一切方面。然而，借助于古今中外许多优秀的美术作品，却可以使我们形象地接触到许多人生与经历远远不能涉及的广阔领域。

在美术上，我国发展的尤为迅速，从古到今，山水画、人物画、花鸟画等描写的是淋漓尽致，发展是非常值得我们骄傲的。对我印象最深的是由北宋的张择端费劲精力所作的一幅惊世之作《清明上河图》。《清明上河图》具有极大的考史价值，北宋年间的卞京，城内河流贯通，交通发达，为全国水陆交通中心。汴京城中有许多热闹的街市，街市开设有各种店铺，甚至出现了夜市。逢年过节，京城更是热闹非凡。为了表现京城的繁荣昌盛，张择端选择了清明这个重要节日的景象进行了详细的描述。

美术在现实生活中到处可以感受到，一张桌子、悬挂的衣服等等，这些随处可见。学习了美术鉴赏课，让我受益匪浅，对生活粗略的观察也变得细心起来了。我渐渐的发现原来生活那么美好，有事观察一棵树，我会呆呆地看很久，放佛自己身临其境。

美术鉴赏课走进大学校园是为了更好的培养大学生，提高大学生的素质。大学生美术鉴赏作为美育的一种手段，在促进大学生灵魂雕塑和人格完善的全面发展中起着重要的作用。满足大学生的审美需要，提高和培养审美能力，在美术鉴赏课上，通过大量地、广泛的鉴赏优秀作品，就会逐渐具有和提高感受美、理解美的能力了。这里不单单是提高学生的鉴赏水平问题而是如何发展学生的价值取向问题。提高学生对美术意义的认识，培养他们正确的审美理想，健康的审美情趣，提高对美的感受力、鉴赏力、表现力和创造力。陶冶大学生的思想情操、提高大学生的精神境界。

通过学习本课程，可以使我们了解更多的美术知识，提高我们的美术鉴赏能力，培养我们的艺术审美兴趣，而这对提高我们的全面素质起着十分巨大的作用。